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Mayo Thompson rembourse la dette de Corky – Texas Monthly


C'est un dimanche après-midi début décembre, et comme tout bon Texpat, Mayo Thompson a le match de football dans sa chambre d'hôtel. Mais ce n'est pas le jeu que vous imaginez que le natif de Houston regarde: dans cet hôtel de Greenwich Village, il regarde Brighton & Hove Albion contre Wolverhampton en Premier League anglaise, ce qui suggère les nombreuses années qu'il a passées à l'étranger à Londres et Düsseldorf. Vêtu de noir et d'une paire de slip-on Prada, Thompson, maintenant âgé de 75 ans, se déplace en boitant légèrement dans sa chambre.

Pour les fans de rock psychédélique, le nom de Thompson est synonyme de Red Krayola, un groupe qui a grandi et a muté pendant un demi-siècle avec lui comme principal catalyseur et constante solitaire (bien qu'il soit rapide à préciser que le groupe est «une organisation sans adhésion») . Mais même s'il n'est pas un weirdo du Texas bien-aimé immédiatement reconnaissable comme son ancien camarade de label Roky Erickson des 13th Floor Elevators, Thompson a longtemps été un élément essentiel des mouvements musicaux d'avant-garde dans le Lone Star State et au-delà.

The Red Krayola a évolué d'un groupe soeur aux goûts des Elevators et Bubble Puppy sur le label International Artists de Lelan Rogers dans les années 60 à se frotter les coudes avec de jeunes Britanniques à la hauteur du punk à la fin des années 70. Les empreintes digitales de Thompson peuvent également être trouvées sur les crédits de production de plusieurs albums punk classiques de Stiff Little Fingers, les Raincoats, the Fall et Scritti Politti. "Mayo m'a donné confiance pour utiliser mon instinct pour faire quelque chose, forger quelque chose à partir de rien", explique Gina Birch des Raincoats. Et dans les années 90, Thompson et le Red Krayola ont fait leur apparition à Chicago au moment où des groupes comme Tortoise, Wilco, The Sea and Cake, et bien d'autres commençaient, devenant à leur tour un saint patron au son du post-rock. «Il était certainement une bizarrerie parmi les punks, les skinheads et les clients portant des mohawks qui fréquentaient le magasin au début», explique Geoff Travis, fondateur de Rough Trade et partenaire de production de Thompson à la fin des années 70. "Mayo avait un esprit espiègle et perturbateur qui était souvent mis en évidence par un large sourire sur son visage."

La «non-appartenance» à Krayola montre les nombreux mondes dans lesquels Thompson a depuis voyagé au cours de sa vie: le frère de l'auteur, Donald Barthelme, Frederick, un collectif hippie laineux, un groupe d'artistes conceptuels et des punks de Londres ont rempli ses rangs au fil des ans. «Moi, je vais avec les contradictions», dit Thompson. "C'est ce qui m'intéresse. C'est là que se situe l'action." La discographie de Red Krayola, qui va du chaos déchaîné avec des motos en marche à des numéros acoustiques feutrés touchant au marxisme, le confirme.

Mais Thompson est à New York pour le week-end pour donner un concert à guichets fermés pour son seul et unique album solo, La dette de Corky envers son père, sorti pour la première fois en 1970. «C'est une ironie de l'histoire qui se produit toutes ces années plus tard que Corky va boiter sur la scène ce soir », dit-il avec un sourire ironique.

Pour les fans de musique qui pensent à l'emblématique Texas des auteurs-compositeurs-interprètes comme Willie Nelson’s Étranger à tête rouge, Guy Clark's Vieux n ° 1ou de Billy Joe Shaver Old Five et Dimers Like Me, Corky les précède tous, même si cela ne sonne pas. "Dette de Corky était une collection de chansons si admirablement accomplie », explique David Grubbs, un collaborateur de Krayola dans les années 90 et maintenant professeur au Brooklyn College et au CUNY Graduate Center. "Que cela soit venu après l'expérimentation rigoureuse des deux premiers disques de Red Krayola m'a époustouflé." Le chanteur-compositeur-interprète basé à Austin, Bill Callahan, est tout aussi impressionné. «Ce record en particulier est tellement unique et idiosyncrasique», dit-il. "Pour moi, c'est ce que la musique est censée être."

Comme le dit Thompson, Corky’s n’était pas bien reçu au moment de sa sortie. "Corky’s est sorti et est mort de mort », déclare Thompson dans son profond baryton, tout en s'installant sur sa chaise en cuir. "Ils ne savaient pas comment le vendre. Il est resté sur l'étagère et s'est assis là. »Et il a donc duré des décennies et des décennies jusqu'aux années 90, lorsque son label de longue date, Drag City, l'a réédité pour une nouvelle génération. Mais un long et étrange voyage musical précède cette renaissance.

Seul enfant d'un père avocat et d'une mère bien-aimée de professeur d'art au lycée de Bellaire, Mayo décrit son éducation comme une classe moyenne et appelle son enfance à Houston d'après-guerre un «monde blanc». C'est-à-dire jusqu'à ce qu'il rencontre la musique de Sam John "Lightnin '" Hopkins. «Lightnin’ était une merveille pour moi, une parfaite relation abstraite avec le problème de la musique », se réjouit Thompson. "Il a tout compris et tout."

Sous la surface épineuse et la discordance de la musique de Thompson, vous pouvez toujours entendre cet amour d'enfance de Hopkins qui brille, du langage ludique aux contours de guitare en constante évolution qui ombragent et complètent ces pensées, comme on le trouve sur des chansons de Krayola lointaines comme l'épineux funk de "Black Snakes" et tendre "Victory Garden". "J'ai trouvé des choses dans Lightnin 'que je n'avais jamais trouvées dans la musique des autres, c'est-à-dire que la phrase continue aussi longtemps qu'il le faut, puis la musique change de cette façon ou de cette façon », dit-il.

Adolescent et étudiant à l'université, Thompson ne s'est jamais tout à fait fixé sur un chemin ou une carrière, en partie à cause de son caractère «paresseux» auto-admis. Il a pris une guitare à dix-neuf ans, et après un séjour en Europe, il est retourné à Houston au milieu des années soixante. Il a persuadé ses amis Frederick Barthelme et Steve Cunningham de former un groupe, que Barthelme a rappelé dans un post sur son site internet comme étant «remarquablement incompétents». Le trio s'est rapidement concentré sur la rétroaction et la «musique gratuite», et Thompson se souvient que lors de leurs spectacles «il n'était pas rare qu'un combat éclate», un fait qu'il attribue à leur son stimulant «» sentiments primitifs chez les gens plutôt que de se concentrer sur la musique. »

Ils sont devenus le groupe maison du club local Love et ont attiré un hippie à la suite du groupe bientôt surnommé «le familier laid». Le trio a pris le nom de Red Crayola (bien qu'un K ait été rapidement ajouté lorsque les avocats de Binney & Smith sont venus appeler), suggestif de leur musique simple, désordonnée et gratuite. Célèbre, Lelan Rogers a découvert le groupe jouant une «bataille des bandes» au Gulfgate Mall (où ils ont perdu face au groupe de Johnny Winters), et en deux jours en 1967, leur premier album La parabole des terres arables est né.

Dans ce document, les sons psychédéliques du groupe se sont enfoncés dans la boue chaotique des «freak-outs de forme libre», puis ont repris la forme d'une chanson. Thompson a composé des paroles sur place, et les noms de divers avions de chasse cités lors des spectacles sont devenus les premières lignes de "Hurricane Fighter Plane": "J'ai dans ma poche / Un avion de chasse / Et ça m'emmène où je veux aller / Peu importe s'il pleut. » Alors que leurs camarades de label (The Elevators) épousaient l’évangile de la consommation de drogues psychédéliques, la musique de Red Krayola était le trip acide lui-même, même si les membres du groupe se dérobaient aux propres attributs hippies de la psychédélique. Thompson dit qu'il avait essayé le LSD mais "c'était trop effrayant", et il parle toujours gentiment et avec une touche de tristesse à propos d'Erickson, qui a contribué au premier album de Red Krayola et est devenu l'une des premières victimes du LSD. «Hippiedom me dépassait», explique Thompson.

Tandis que Parabole vendu à plus de 50 000 exemplaires, leur deuxième album, Coconut Hotel, embrassé l'expérimentation clairsemée et bruyante de John Cage. 1968 Que Dieu bénisse le Krayola rouge et tous ceux qui naviguent avec était un modèle d'économie, sans chanson dépassant trois minutes. Une génération plus tard, cet album serait un modèle pour le punk rock, mais la première itération du Krayola a été dissoute plus tard cette année-là.

Au fil des ans, Thompson avait gardé des liens avec de nombreux autres joueurs de Houston, que ce soit Guy Clark et Frank Davis, les frères Hill du groupe américain pré-ZZ Top Blues, ou des joueurs de session (portant ce que Thompson appelle des «mains tamponnées»). Les mouvements contradictoires de Krayola, Thompson a décidé de faire un album solo en 1970, La dette de Corky envers son père, et il a joué de façon choquante directement. Tle résultat était pop enthousiaste, fantaisiste, à la chanson de cow-boy, et malgré tout son goût pour le free jazz et John Cage, Thompson a également un penchant pour les plats comme «Cheek to Cheek» de Fred Astaire, Ray Charles et Randy Newman.

"C’est la seule fois où j’ai vraiment voulu faire un disque », explique Thompson. Alors que les albums de Red Krayola étaient souvent créés rapidement, lui et son groupe avaient passé trois mois à peaufiner Corky’s charmes originaux. "Corky’s a été considéré en profondeur », dit-il. «Ces chansons sont liées à de vrais sentiments. Ils sont difficiles à chanter, en quelque sorte. "Similaire à d'autres albums classiques d'auteurs-compositeurs-interprètes bien-aimés mais mal compris comme celui de Van Dyke Parks. Cycle de chanson ou Neutral Milk Hotel Dans l'avion au-dessus de la mer, La prestation vocale frémissante et tonitruante de Thompson fait de son travail un goût acquis. "On m'a dit toute ma vie que je ne pouvais pas porter un morceau dans un seau", dit-il. «Mais la musique vaut mieux pour être plus ouverte; tout le monde a un air quelque part en eux. "

Corky’s s'ouvre avec «The Lesson», une valse qui trouve le fausset nasal de Mayo en partenariat avec le violon et la guitare slide: «Je suis un étudiant de la nature humaine / Et toutes mes leçons que j'ai apprises gratuitement.» De l'avis de Callahan: «Je pense il a la meilleure ligne d'ouverture de tous les disques que j'aie jamais entendu. Mayo a placé la barre incroyablement haute avec ça. »Dans d'autres moments de l'album, où il adécrit les goûts de la déesse Vénus emmenant un amant au barbecue, une chaussure sexuée sans dent avec sa langue pendante et un tour de chien fait au bord d'une pelouse, Thompson fait allusion à des pulsions primaires avec apparemment chaque ligne. Aussi intelligent et éloquent que soient ses paroles, un animalisme se trouve juste sous la surface de l'album. En fait, Thompson a nommé Corky après un chat qui a posé des crottes parfaites en forme de cigare (et le texte sur la colonne vertébrale du disque lit effrontément "Corky’s Cigar").

Entre les aspects personnels de l'album et sa mauvaise réception dans le monde, Thompson n'a plus jamais abordé ce son particulier depuis plus de cinquante ans de création musicale. Ce n'est qu'à la demande déterminée de Sohrab Mohebbi, conservateur associé au Roy and Edna Disney / CalArts Theatre de Los Angeles, que Thompson a même envisagé de revisiter l'album.

Thompson admet être nerveux à l'idée de revisiter certaines chansons cette nuit de décembre, au Poisson Rouge à New York (il les a également récemment interprétées à Los Angeles, mais aucune date n'est fixée pour le Texas pour le moment). «‘ Dear Betty Baby ’me tue. «Les chevaux» me tue. Je peux gérer le reste », dit-il. "Mais ces deux-là sont liés à quelque chose que je peux encore ressentir. "

Une salle comble attend Thompson et le groupe plus tard dans la soirée. C’est un public majoritairement livresque et à lunettes que l’on a sans doute rencontré Corky dans sa réédition des années 90, la foule comprenait un membre d'Interpol ainsi que Jeff Mangum du Neutral Milk Hotel. Avec peu de bruit, Thompson – toujours vêtu de noir, maintenant avec une veste de sport noire sur le dessus – se perche sur son tabouret et commence «The Lesson» de cette même voix haute tremblante. Il bruit dans son sac de kit au milieu du chant, sortant un bandana blanc, qu'il enroule ensuite autour de sa gorge. (C’est moins un acte performatif qu’un moyen de garder sa gorge au chaud alors qu’il s’enfonce plus profondément dans son baryton et vers les parties les plus hautes de son registre).

Le groupe de cinq pièces livre toutes les bizarreries de l'original: le piano-baril de «Venus in the Morning», les basses de «To You», les bleus de Lightnin »de« Black Legs », les harmonies vacillantes de« Around the Home », les cornes brunies de« Dear Betty Baby ». Thompson fronce les sourcils et ferme les yeux pendant« Betty », tournant le dos au public pour profiter pleinement de sa mélodie mélancolique. Au moment où lui et le groupe atteignent la dernière chanson de l'album, "Worried Worried", Thompson se lève et scintille, gesticule et fait même un saut heureux – la marque d'un septuagénaire qui ressent encore très bien son avoine.

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Interview de Yola: Donner la parole aux racines noires du folk


"Crois-moi, je suis pleinement consciente de qui je suis ", dit Yola, se penchant tout près comme si elle allait me dire un secret. Je suis assise en face de la chanteuse à l'hôtel Hoxton de Williamsburg, alors qu'elle déchaîne l'un des nombreux caquetages sauvages et méchants de la sorcière – le sorte de joyeux grondement du ventre avec lequel un étranger entendrait et se retrouverait à rire involontairement. Yola fait signe à sa généreuse crinière afro, qui est partiellement retenue par un bandeau coloré qui correspond à sa robe de nuisette. Mais ce n'est pas seulement ses boucles naturelles qu'elle attire l'attention à: se déplaçant dans un mouvement circulaire, les mains de Yola encadrent son visage en forme de cœur à la peau sombre.

"Je suis controversé juste pour exister à l'avant avec ce teint ", dit-elle, évitant toute idée qu'elle jouerait jamais au deuxième violon. Et puis! Il y a l'accent britannique joyeux. Yola est originaire de l'extérieur de Bristol, en Angleterre, qui est à 84% blanc en 2011, et selon les estimations de la chanteuse, elle ne s'est probablement pas beaucoup diversifiée depuis lors. Elle a grandi avec des parents religieux stricts qui tenaient fermement ses activités artistiques en plein essor.

Bien que Yola dise qu'elle a été punie pour avoir chanté à la maison, ce qu'elle faisait depuis l'âge de quatre ans, elle a conservé la musique comme une bouée de sauvetage sur laquelle s'appuyer un jour. Très tôt, elle a écouté autant de funkadelic du Parlement et de Rotary Connection qu'elle pouvait en les découvrant pour la première fois – une musique noire progressive qui la reliait à l'art et à la culture diasporiques africaines. Ce lien avec son histoire était essentiel pour la jeune Yola.

"J'ai grandi dans la ville la plus blanche, et c'était vraiment spécifiquement à droite", dit-elle. "Je l'ai compris de tous les côtés: les Blancs, le colorisme dans ma communauté, le fait de devoir combattre physiquement l'agression. Les gens ne comprennent pas le concept de l'isolement avant d'en faire l'expérience au sens extrême. Il n'y avait personne comme moi. Plus vous sont perçus comme «autres», plus vous sentez que vous avez désespérément besoin de ces modèles pour y aller, C'est qui je suis, c'est ce que je suis. (Yola exhale profondément) Ce lien avec la musique était vital pour moi. Qui diable étais-je sans ça? "

Yola expire à nouveau, "Chanter était comme l'air que je respirais. Je chante pour vivre." Sa voix, un instrument puissant capable de passer sans effort du grognement guttural au falsetto qui monte en flèche en quelques secondes, est nominée cette année pour quatre Grammy Awards, dont le meilleur nouvel artiste et le meilleur album américain pour sa percée de 2019 acclamée par la critique, Marchez à travers le feu. "J'ai pleuré, braillé les yeux, tout entier", dit Yola à propos de l'honneur. Elle regarde son manager qui hoche la tête affirmativement.

"Je suis controversé juste pour exister à l'avant avec ce teint. "

Pour un album produit par Dan Auerbach des Black Keys, un soutien très vocal d'Elton John suite à une reprise de son classique "Goodbye Yellow Brick Road", des tournées avec des noms comme Kacey Musgraves et des collaborations avec des collègues Highwomen Brandi Carlile, Maren Morris, etc. , il pourrait être facile de remettre en question le succès organique de Yola. Cependant, pour chaque triomphe approuvé par l'industrie, il y a une trame de fond plus épique qu'aucun dirigeant de label ne pourrait écrire.

Parmi les procès de Yola, il y avait un séjour de sans-abri à Londres. Et en 2014, Yola a effectivement pris feu à la maison et, une fois qu'elle a survécu, elle est apparue comme un phénix avec une clarté créative oraculaire qu'elle n'avait jamais eu auparavant. Elle dit qu'il y avait toujours des canapés ouverts pour dormir et "suffisamment de gens dans ma vie qui me connaissaient, me voyaient, m'aimaient et ce que j'étais."

Lentement, le musicien a repris les morceaux et a commencé à prendre des risques de carrière plus importants que jamais. Elle a gagné de l'argent en créant un catalogue de crédits pour la composition et la production en travaillant avec des artistes de Katy Perry à Duke Dumont. Elle a joué pendant un an dans Massive Attack, puis a dirigé un groupe de country-rock appelé Phantom Limb composé de "sept autres gars blancs". Après que certaines expériences professionnelles l'ont laissée épuisée, Yola a finalement réglé ses propres émotions et a abandonné ces projets pour éclater complètement en tant qu'artiste solo. Avec le recul, Yola dit que le feu littéral qu'elle a traversé a été une clairière pour la carrière qu'elle a aujourd'hui.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=jWTwuQ3LeH4 (/ intégré)

"Il s'avère que Yola, quatre ans, avait raison", dit-elle à propos de sa décision de partir en solo. "Quand j'étais enfant, je n'avais jamais prévu de faire partie d'un groupe. J'avais besoin de réaliser ma propre vision. C'était la seule voie à suivre pour moi. De plus, je ne venais pas de l'argent, donc la seconde où j'ai écrit pour les autres, j'étais comme, Je peux soit abandonner et le mettre dans une maison, soit tout mettre en évidence pour être récupéré par une maison de disques qui pourrait vraiment faire quelque chose. "

Peu de temps après, Yola s'est associée par hasard à Auerbach pour produire ses débuts, une collection à parts égales mélancolique et granuleuse. De "Faraway Look", un étourdissant déchirant sur les rêves insatisfaits à "Shady Grove", une chanson douce-amère sur les vies passées et les regrets, elle capture tout ce qu'elle a vécu avec des paroles directes données plus poignantes par la façon dont elle les chante. «J'ai tout donné», chante-t-elle. "Ça me coupe le souffle."

Pour autant de larmoyants intemporels qu'il y en a, Marcher à travers le feu est imprégné d'un esprit provocateur comme sur sa chanson titre ou sur "It Ain't Easier." Lors de la réalisation de l'album, Yola a appris à jouer de la guitare et l'a fait sur scène avant d'être "prête", défiant le fait qu'on lui ait longtemps dit que "les femmes ne devraient pas (jouer de la guitare)". Yola cite Dolly Parton, Etta Fitzgerald et Mavis Staples comme exemples de femmes dont la vie l'a encouragée à se rebeller contre ce type d'attentes.

Elle est également franc et une femme noire chante de la musique rock basée sur les racines lors d'un moment politique en Amérique confrontant ses propres origines hideusement racistes. "Je ne serai pas arrêtée par l'idée que je devrais être dans un rôle de service parce que je regarde à quoi je ressemble", dit-elle. "Pas quand j'ai tant à dire."

Maintenant, il n'y a aucun moyen d'arrêter Yola. Elle n'a eu qu'une semaine de congé en tournée au cours des six derniers mois. L'autre soir, elle était à Boston, et des semaines auparavant, elle achetait des chaussures chères à Milan. Elle les a portés sur scène l'autre soir et a gratté sa guitare devant une salle comble. Très intentionnellement, elle a clôturé en chantant l'enregistrement d'Aretha Franklin de "Vous êtes tout ce dont j'ai besoin pour m'en sortir". Franklin, un autre des héros de Yola, a chanté à peu près tout, quel que soit le genre.

La flexibilité artistique et le désir d'aider les autres à se connecter à leur histoire sont maintenant ce qui est le plus important pour Yola – au-delà de voir les fans porter son merch ou chanter ses paroles dans des salles à guichets fermés, ou être parfois arrêtés dans la rue par des gens qui la remercient pour être elle-même. Pour quelqu'un qui n'a jamais tout à fait sa place, ces expériences valent indéniablement et quelque chose qu'elle aimerait maintenant payer en avant.

"Je savais que j'allais toujours me battre pour mettre en évidence la relation des personnes de couleur avec tous ces genres de musique", dit Yola. "Et je vais parler de l'érosion des Noirs dans la musique rock 'n' roll, considérant Sœur Rosetta Tharpe et Big Mama comme les créateurs principaux. Cette carrière consiste à avoir un arc et suffisamment de temps pour explorer tout cela, au lieu d'être juste un poney à un tour. C'est ce qui m'a attiré vers la musique: un besoin de raconter cette histoire à bien des égards. L'histoire d'où je viens … d'où nous venons. "

Courant Marcher à travers le feu, au dessous de.



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Ramblin 'Jack Elliott divertit avec des standards folkloriques à The Chapel à SF


Ramblin 'Jack Elliot

Ramblin ’Jack Elliot se produit à la Chapelle de San Francisco le 12 janvier 2020. Photos: Onome Uyovbievbo.

SAN FRANCISCO – Les fans de folk et d'Americana ont eu dimanche une occasion rare d'assister à l'un des premiers ancêtres du style. Ramblin ’Jack Elliott, un contemporain de Woody Guthrie et une ancienne connaissance de Bob Dylan, est venu en ville pour donner un concert de matinée discret et agréable à The Chapel.

Après avoir été présenté par son directeur de la route, Elliott est entré en scène avec un galop de locomotive. S'asseyant sur un tabouret haut, il accepta ensuite de l'aide pour attacher sa guitare. La scène était décorée de lampes et de plantes en pot, et le public majoritairement assis a rapidement établi une proximité familière avec l'artiste. Alors que Jack Elliott, 88 ans, sirotait une tasse blanche, un participant a imploré "qu'est-ce qu'il y a dans cette tasse, Jack?"

"Oh, c'est du whisky", répondit Elliott avec ironie. "J'espérais que c'était autre chose, mais c'est du whisky."

Au début, Elliott a eu du mal à enrouler ses doigts autour du cou de sa guitare. Accentuant certains accords ouverts, il a frappé quelques clunkers audibles. «Nouvelle guitare», a-t-il plaisanté en poursuivant la chanson.

De cette manière détendue, la personnalité d'Elliott a porté la performance. Droll fellow, il a introduit de nombreuses chansons avec des contes de ses jours de ramblin et a établi une familiarité conversationnelle avec le public. Dans une triste ballade du début du 20e siècle, Elliott a invoqué «un joli oiseau à voler» et s'est adressé à un personnage nommé «Willie».

Après la chanson, il a élucidé: «Ce n'est pas Willie Nelson. La chanson est antérieure à Willie Nelson. Au fait, est-ce que quelqu'un l'a vu? », A demandé Elliot, faisant référence aux récentes performances de Nelson au Fillmore.

Le sens de l'humour d'Elliot s'est également glissé dans certaines chansons. Il a décrit «des punaises de lit aussi grosses qu'un crétin» dans «Bed Bug Blues», une chanson popularisée par Dave Van Ronk en 1961.

Ramblin 'Jack Elliot

Ramblin ’Jack Elliot se produit à la Chapelle de San Francisco le 12 janvier 2020.

En tant que guitariste, Elliott a montré une aisance bien usée avec le style folk picking-and-strumming. Il a soigneusement sélectionné les cordes dans les formations d'accords conventionnelles, reliant les changements à des pistes de basse gaies et à des remplissages soignés. À l'instar de ses interdictions verbales, certains passages musicaux et progressions d'accords ont été rafraîchissants à l'improviste. Il a complété une chanson clé mineure avec une longue série d'accords non répétitifs, se terminant par une majeure surprise.

La voix rouillée d'Elliott craqua et hurla quand il la poussa à pleine force, donnant un bord brut et balayé par le vent à son son. À des moments plus calmes, il commandait les mélodies vocales avec facilité et clarté de ton. Une ou deux fois, sa voix a grimpé avec la nervosité acide d'une époque révolue dans la chanson américaine. Elliott semblait parfaitement à l'aise sur un numéro parlant de blues à propos de l'expédition avec les marines marchands. La franchise informelle du style lyrique correspondait à son comportement, et il se permit de proposer des variations à la volée. De même, il a transformé de petits défauts dans ses rythmes de guitare en particularités de la chanson.

Elliott a mis en place le standard folk «House Of The Rising Sun» avec une histoire de Bob Dylan du Newport Folk Festival. Dans le récit d'Elliott, Eric Burdon et la version animaux de la chanson sont venus à la radio dans la voiture de Dylan, et Dylan et Elliott ont tous deux pointé la radio, s'exclamant simultanément: «C'est ma version!»Elliott a joué la chanson dans une voix basse sensuelle et grondante. Il a également fait le choix non conventionnel de chanter les paroles du point de vue de l'une des filles de la maison, ce qui s'est avéré populaire auprès de la foule.

Elliott a prospéré avec des ballades à touches mineures, en particulier «Buffalo Skinners», un récit captivant de la justice des Prairies au cours de «l’été de 1983».

"C'est 1883, pas 1983", a-t-il dit.

Yeux pluvieux

Rainy Eyes se produit à la Chapelle de San Francisco le 12 janvier 2020.

Elliott a dit avoir été inspiré pour apprendre la chanson après une conversation avec Guthrie. Il a ensuite terminé avec "All Kinds Of Trouble", au cours duquel il s'est arrêté brusquement pour engager le public dans un peu de bavardage bavardage. Après avoir continué la chanson pour quelques couplets supplémentaires, il s'arrêta brusquement à nouveau, proclamant avec un sourire qu'il était «malade de taper sur cette» guitare. Il se leva avec brio et sortit énergiquement de la scène.

Marin County’s Yeux pluvieux, dirigée par l'auteure-compositrice-interprète Irena Eide, a ouvert le spectacle. Les chansons folkloriques simples d'Eide ont emmené les auditeurs sur des routes solitaires, roulant avec «la roue du temps» dans un pays montagneux désolé. Accompagné d'un guitariste et mandoliniste électrique, Eide a basculé entre guitare et banjo, chantant de sa voix exceptionnellement claire et équilibrée. Rainy Eyes a joué des chansons de son premier album Lune dans le miroir, maintenant une humilité terreuse appropriée à la petite salle.

Suivez l'écrivain Alexander Baechle à Instagram.com/writheinsmoke. Suivez le photographe Onome Uyovbievbo sur Twitter.com/noitsonome et Instagram.com/ono.photography.



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Cours de guitare pour tous niveaux. – Bruxelles


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Quentin

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Concerts qui nous ont fait pleurer



Q: Avez-vous déjà pleuré lors d'un concert parce que c'était si bon? Qui quoi quand où Pourquoi?



Photo par Jeff Mintline

Dave BrennerLa théorie de l'homme mort
UNE: Je n'ai jamais pleuré lors d'un spectacle, pour le meilleur ou pour le pire. Mais, en 2002 ou 2003, nous avons joué un spectacle à Norfolk, en Virginie, à quelques pâtés de maisons de l'endroit où Jerry Cantrell jouait la même nuit. Après notre set, nous avons couru au show de Jerry et avons attrapé tout le set. Pendant la chanson «Rain When I Die», je suis venu le plus près possible de verser une larme lors d'un spectacle. J'avais la chair de poule et des picotements à l'arrière du cou. Ce fut une véritable expérience émotionnelle émotionnelle! Et j'ai toujours embrassé William DuVall en tant que membre de ce groupe.

(intégré) https://www.youtube.com/watch?v=XnHfsw-xx7s (/ intégré)

Obsession actuelle: Bluegrass à l'ancienne. J'adore le banjo et le slide, l'harmonica, le violon. La beauté d'entendre certaines parties plus fort parce que cette personne a fait un pas de plus vers le micro. Les harmonies vocales livrent une histoire d'un conte folklorique américain pas trop éloigné. Le tout est juste un beau mariage de songcraft, de performance et de narration. Je suis obsédé!


Jimmy TakacsLecteur du mois
UNE: Tom Waits au Ryman, 2006. J'avais récemment commencé à voir ma femme et j'étais là avec mon bon ami. Tout cela m'a frappé alors que nous étions assis dans le Ryman (nous venons du Michigan), en regardant Waits jouer "Take It with Me", qu'il y avait une fille à la maison que j'étais excitée de voir. (Il y a eu une période où je pensais qu'elle était loin de ma ligue.) Je me suis sentie très chanceuse et heureuse d'être en vie, puis je me suis souvenue de tous les moments sombres où je pensais que je ne verrais pas un moment comme celui-ci. C'est devenu trop et j'ai commencé à pleurer et à remercier Dieu. Je ne suis pas religieux, mais c'était une expérience religieuse. J'ai trouvé très approprié que Tom Waits in the chair soit la bande originale.

(incorporé) https://www.youtube.com/watch?v=Dixxse4dpQ4 (/ incorporé)

Obsession actuelle: Je suis un pédaliste. Mon obsession actuelle / continue est d'associer des pédales d'octave à des fuzz / dirts lourds. J'aime empiler des dirts et placer des octaves tout au long de la chaîne pour voir comment ils interagissent. En ce moment, mon obsession sur ma planche à domicile est de frapper l'extrémité avant d'un Danelectro Fab Tone avec une fuzz à un bouton et à un bouton par Pepers ’Pedals en Nouvelle-Zélande. Je commence la chaîne avec une octave de style OC-2 et donne un peu de jus à la sortie avec un CS-3, puis porte les dirts de manière à ce que les arrêts soient propres. C'est croquant et méchant, mais chaud et rond, et j'adore ça.


Tessa JeffersRédacteur en chef
UNE. J'ai vu Sigur Rós vivre pour la première fois à Kansas City en 2006. J'ai amené ma meilleure amie de toujours, Emily, qui ne connaissait rien du groupe, mais elle savait à quel point je les aimais. J’avais récemment étudié à l’étranger en Australie et passé des heures au bord de l’océan à écouter Sigur Rós chaque fois que je manquais à mes proches ou me sentais isolé. Il est difficile d'expliquer à quel point cela a eu un impact, mais il s'agit de savoir qu'il y a quelque chose de plus grand que vous. La vraie paix. Jónsi chante dans une langue inventée, et comme vous ne savez pas littéralement ce qu'il chante, vous le ressentez. Quand Emily a vécu cela au concert, j'ai vu des larmes sur son visage. Être témoin de ce pouvoir de la musique a été l'un des plus beaux moments que je n'oublierai jamais.

Obsession actuelle: Passion. J'examine ce qui m'inspire musicalement, et cela se résume à une émotion incontrôlée. Où est la vérité brute? Donnez-moi le feu. C’est ce qui m’obsède.


Chris KiesGestionnaire multimédia
UNE: Un cher ami m'a fait découvrir le monde cosmique des explosions dans le ciel. Nous avons passé des heures à écouter leurs disques, silencieux, permettant à la musique de nous envahir comme un baptême instrumental post-rock. Nous n'avons jamais pu faire l'expérience de l'EITS parce que le cancer l'a emportée, mais en 2016, je les ai vus à l'Observatory North Park de San Diego. Lorsque notre chanson «Your Hand in Mine» a atteint son apogée émotionnelle, dans une mer d'étrangers, la musique m'a reliée à elle une dernière fois.

(incorporé) https://www.youtube.com/watch?v=gGvveKqV3D8 (/ incorporé)

Obsession actuelle: Espace – spécifiquement L'astrophysique pour les gens pressés. (On n'est pas de la merde.)


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Résidence chorale MSU comprend de la nouvelle musique avec Dublin Guitar Quartet et Roomful of Teeth | MSUToday


Le Mid-Michigan explorera les limites de la voix humaine lorsque Roomful of Teeth visitera le campus MSU du 27 au 28 janvier dans le cadre du programme MSU College of Music Entrepreneurial Musical Artist in Residence financé par la MSU Federal Credit Union.

Après avoir dirigé des chants, des ateliers et des discussions, l'ensemble choral de huit membres partagera la scène avec le Dublin Guitar Quartet à 7 h 30 le mardi 28 janvier au Fairchild Theatre de MSU, qui fait partie de la série Showcase de la MSU Federal Credit Union.

Roomful of Teeth et le Dublin Guitar Quartet font partie de la programmation de cette année de groupes et de musiciens de pointe venant sur le campus via le programme EMAR de MSU Federal Credit Union Entrepreneurial Musical Artist in Residence, ou EMAR.

Établi en 2017, le programme signature d'artistes en résidence se concentre sur l'entrepreneuriat dans les arts musicaux et offre aux étudiants et à la communauté la possibilité d'apprendre et de réseauter avec des artistes progressistes à succès.

Formé en 2009, le projet vocal Roomful of Teeth se réunit chaque année dans le Massachusetts pour étudier une grande variété de styles de chant, notamment le yodel, la ceinture de Broadway, le chant géorgien et même le death metal occasionnel.

Explorant les traditions vocales du monde entier, le groupe gagnant d'un Grammy élargit continuellement son vocabulaire des techniques et commande régulièrement aux compositeurs de créer un nouveau répertoire sans frontières.

Au cours de leur résidence de deux jours, Roomful of Teeth engagera les étudiants et le public à travers un chant communautaire, une lecture de la composition des étudiants, des ateliers entrepreneuriaux et vocaux, et une table ronde explorant la question de l'appropriation culturelle. Roomful of Teeth partagera également la scène avec le Dublin Guitar Quartet pour une soirée de musique envoûtante.

Le Dublin Guitar Quartet a été décrit par les temps irlandais comme un «quatuor avec une différence», et est le premier quatuor de guitare classique entièrement consacré à la nouvelle musique.

Les billets peuvent être achetés en ligne sur music.msu.edu, par téléphone (517) 353-5340 ou en personne au bureau principal, Music Building, 333 West Circle Drive, East Lansing.

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Cours de guitare pour tous niveaux. – Bruxelles


Guitariste professionnel diplm du Conservatoire de Maastricht et de Anvers donne cours particulier a Bruxelles (Centre) ou a votre domicile selon disponibilits.

Les cours s’adressent a des personnes de tous niveaux aussi bien dbutantes que confirmes. Guitare mais aussi ukulele, je propose galement des cours en collectif.

Il est aussi de possible de faire des cours d’ensemble avec batterie et amplification.

Nhsitez pas a me contacter pour plus de renseignements. A bientt!

Professional guitarist graduated from Maastricht and Antwerp give private lessons in Bruxelles (center).
Beginner or advanced students are welcome. Guitar or ukulele.
Collective lessons is also possible.

Contact me for more informations. See you soon!
Quentin

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Cours de guitare pour tous niveaux. – Bruxelles


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Zia McCabe de Dandy Warhols sur l'apprentissage par l'expérimentation


Au cours des 25 dernières années, The Dandy Warhols a tracé un chemin réussi à travers un paysage musical changeant avec leur cacophonie distinctive de guitare et de rock'n'roll basé sur des synthés. Cette route a inclus l'enregistrement de grands succès comme le colossal de 2000 Bohème comme toi, Nous étions amis et Pas si vous étiez le dernier Junkie sur Terre, se produisant aux côtés des Rolling Stones et de David Bowie, tout en accueillant à l'occasion le Thin White Duke et son groupe, très disparus, dans leur espace d'enregistrement et de répétition; L'Odditorium.

C’est dans les limites fascinantes de ‘The Oddie’ que nous rencontrons la claviériste, bassiste et percussionniste du groupe, Zia McCabe avant sa prestation aux Rock 'n' Roll Camp For Girls AMP Awards avec son projet country Brush Prairie.

"J'ai l'impression d'avoir gagné à la loterie rock'n'roll le jour où j'ai rejoint les Dandys", dit Zia avec un sourire. «La différence, qui m'a même permis d'avoir accès à ce ticket gagnant, c'est que je me suis présenté, sans aucune raison légitime à prendre en considération. Bien sûr, le charisme, le rythme. J'ai eu quelques trucs pour moi, mais c'est ce truc de "montrer", même si c'est effrayant, même si vous ne pensez pas que vous êtes assez bon, ça fait toute la différence dans le monde. "

Manifester maître

Faire ce premier pas et passer du rêveur à l'interprète est une chose délicate à faire pour quiconque. Cela peut nécessiter des niveaux de confiance quasi surhumains et même trouver que le «in» initial peut être difficile. Pour Zia, cela a eu lieu pendant l'intérim de Noël dans un café local. «Je suis entré dans la musique le jour où j'ai rejoint le groupe. Je veux dire, c'est presque vrai. J'ai pris un cours de guitare débutant à l'université – j'ai obtenu un C. Je n'étais pas bon dans ce domaine. »Se souvient Zia. «J'ai rencontré un gars dans un café où je travaillais. Il a dit qu'il faisait partie d'un groupe et je me disais: «Je vais faire ça!» Il a répondu: «Ce n'est pas comme ça que ça fonctionne. Vous ne jouez pas d'instruments! »Je lui ai dit que je suis un maître manifesteur et que je voulais juste me faire savoir si quelque chose se passait? Ce type était (le fondateur et leader de Dandy Warhol) l'ami de Courtney Tayloy-Taylor. "

Il se trouve que Courtney était à la recherche d'un bassiste s'étant récemment séparé de son ancien compagnon de groupe et de sa petite amie. "Il sentait que beaucoup de joueurs de guitare basse professionnels avaient de si mauvaises habitudes et il ne voulait pas que ces gars-là se joignent", remarque Zia en plaisantant. "Il voulait quelqu'un de cool, qui n'avait pas besoin de savoir ce qu'il faisait. ils devaient juste avoir une bonne personnalité et être un apprenant rapide. Son ami lui a alors parlé de moi… »

Ces jours-ci, la prochaine étape après une telle conversation serait d'envoyer un SMS rapide ou de communiquer avec la personne concernée via Facebook ou Instagram. Il y a 25 ans, ces simplicités n'étaient pas aussi facilement disponibles et il a fallu cinq mois avant que Zia et Courtney ne prennent contact. «Nous avons discuté, il m'a montré le Korg MS-10 et m'a dit:« Tenez la note jusqu'à ce que ma main change d'accord ». Heureusement, grâce à ma formation en guitare, je connaissais la théorie derrière les accords et c'est probablement ce qui m'a donné juste assez de connaissances. pour pouvoir rester avec eux. Je connaissais mieux les accords que je ne connaissais les notes sur un piano et Courtney voulait juste un drone, alors j'ai juste bourdonné. »

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«Quand je suis devenu un peu plus confiant, j'ai commencé à jouer un peu timidement avec le filtre, puis nous avons commencé à expérimenter les lignes de basse. À ce stade, j'ai commencé à ajouter une note de passage ici, une note de passage là, j'ai commencé à expérimenter et ça a juste grandi. »

Temps et espace

Frais à l'arrière de l'énorme succès Treize contes de Bohême urbaine l'expérimentation et la croissance ont soudainement atteint un tout nouveau niveau, comme l'explique Zia. «J'ai fait une grande percée dans le studio de Massive Attack à Bristol. J'étais extrêmement nerveux, je pensais – ce sont six gars qui vont immédiatement savoir que vous ne savez pas ce que vous faites. Ça va être tellement embarrassant! Ils m'ont mis dans une pièce pleine de synthés, tous câblés dans la même sono avec un lecteur CD, un petit projecteur en gel et une lampe à lave. C'était cette jolie petite pièce vibey et ils ont dit: "C'est votre espace pendant que vous êtes ici."

Je suis resté dans le studio toute la journée avec Peter Holmström. Courtney et Brett DeBoer entraient, giflaient quelques idées et retournaient au bar. Ce qu'ils ont giflé, c'est toujours la structure des chansons, mais avoir cette pièce m'a donné le luxe du temps et de l'espace pour penser «  peut-être que c'est une ligne de basse? '' «  Peut-être que c'est une mélodie? '' Et je pourrais parcourir les différents différents synthés et expérimenter. "

«Courtney voulait que Welcome to the Monkey House soit un disque de synthé.» Zia poursuit: «Donc, après la session Massive Attack, j'ai insisté sur mon propre espace, j'ai aménagé ma salle de clavier et j'ai également insisté sur mon propre temps. En raison de la percée créative antérieure, j'ai pu relever le défi et aller en ville lors de l'enregistrement de l'album. »

La machine

Le fait de faire partie d'un groupe de tournée qui interprète un ensemble diversifié et changeant de genre affecte certainement les instruments que vous emportez sur la route. Pour Zia, le Roland V-Combo et le Moog Sub Phatty sont devenus des machines de tournée extrêmement fiables et, avec un peu de retard aux bons endroits, peuvent créer une représentation fidèle des sons de l'enregistrement. Mais il y a un instrument dont elle ne pourrait jamais se passer, et c'est son Korg MS-20. «C’est ma machine. Je ne jouerais jamais de basse sur une autre machine. C'est trop bon! ", Dit Zia avec tendresse. «Bien que j'ai commencé sur le MS-10. Je suis passé au MS-20, j'ai eu deux oscillateurs et il n'y a jamais rien eu de mieux que ça. »

«Le MS-20 est si gros et si riche, en particulier les paramètres avec lesquels je l'ai configuré», explique Zia. «Je pense que j'en avais un qui était un peu cassé à un moment donné, mais quand mes réparateurs l'ont réparé, je n'ai pas aimé comment il revenait du magasin, alors je les ai fait venir au studio et, en utilisant l'un de mes pièces de rechange, j'ai dit: «C'est comme ça que je joue, c'est comme ça que je veux qu'il sonne.» Ils ont regardé les réglages et ont dit: «Eh bien, si vous saviez comment cela fonctionnait, vous ne le configureriez jamais comme ça! «C'est toujours la chose dont je suis un peu fier – sachant que mes Korg sont mes Korg et qu'ils sont juste un peu différents des Korg de tous les autres.»

Zia McCabe (équipement)
Un gros plan du fidèle MS-20 de Zia. Image: John Thackray

Si vous avez vu The Dandy Warhols en direct ces dernières années, vous serez familiarisé avec la vue du MS-20 de Zia positionné bien en évidence sur le devant de la scène à droite du kit de batterie. Vous savez également que le groupe ne termine pas ses concerts par un bis. Au lieu de cela, alors que le reste du groupe quitte la scène, Zia doit clore la procédure en ayant quelque chose qui ressemble à une mini-rave.

«Arriver à faire ce genre d'outro fou avec mon synthé me donne l'occasion de jouer avec la machine sans que les limites de celle-ci ne soient une basse. Cependant, j'ai glissé certains de ces trucs dans notre jeu, avec le taux et le portamento sur des disques plus récents. Ce n’est pas non plus comme si je faisais des solos pendant le spectacle – donc je reçois un gros gros solo à la fin! Tout le monde comprend que le spectacle est terminé et vous pouvez voir ce que fait la machine lorsqu'elle n'est pas dans un rôle de soutien. "

Zia McCabe (équipement)
À la fin d'un spectacle typique de Dandy, Zia a la chance de démontrer la gamme et la puissance de son synthé préféré. Image: John Thackray

Prairie des broussailles

Loin de The Dandy Warhols, Zia est toujours très impliquée dans la musique. Elle fait partie du conseil d'administration du Rock'n'Roll Camp For Girls, une organisation caritative qui cherche à renforcer la confiance et l'estime de soi grâce à la création musicale et à la performance, comme l'explique Zia. «C'est un camp d'été pour les enfants de tous niveaux. Vous n'avez pas besoin de devenir musicien, vous n'avez pas besoin de rêver d'avoir un groupe, vous pouvez simplement récolter les fruits de ce qu'il faut pour travailler en collaboration.

Il y a beaucoup de compétences qui viennent avec être dans un groupe qui ne se limite pas à la musique. »Il y a aussi DJ Rescue et son groupe country Brush Prairie. «Je n’ai pas entrepris de faire un projet de pays», révèle Zia. "La façon dont je chante, je n'ai pas vraiment le choix! Je suis juste super bizarre. J'ai grandi dans une cabane en rondins, je suppose que ça reste quelque part dans tes cordes vocales. »Dit Zia en riant. «Je vois Brush Prairie comme mon projet de retraite musicale, pas financièrement, qui n'existe pas! Mais comme un moyen de m'assurer que la musique est toujours dans ma vie. "

«Nous avons commencé par faire des couvertures. Je voulais chanter. J'aime chanter, c'est certainement ma façon la plus difficile de participer à la musique. J'ai donc commencé à me présenter à un projet de karaoké en direct, Karaoke From Hell à Portland. J'ai chanté Patsy Clines » Marcher après minuit et était absolument terrifié, mais a survécu. Ça pourrait en avoir l’air à l’époque, mais tu ne meurs pas! Je n'ai jamais sauté d'un avion, mais j'imagine que c'est un type similaire de peur et de soulagement. Quelqu'un m'a alors demandé de faire un show de toutes les reprises que je faisais avec l'un des gars du groupe de karaoké et ça a évolué. J'ai pensé lentement, eh bien, je suppose que si j'ai un groupe alors nous devrions avoir un nom? et je suppose que je devrais écrire une chanson. Je suis très lent et j'en écris peut-être une toutes les quelques années, mais j'adore le fait qu'ils cadrent avec le son country vintage de Honky Tonk. "

Zia McCabe
Image: Francesco Prandoni / Getty Images

Highlife

Début 2019, The Dandy Warhols a sorti son dernier album Pourquoi tu es si fou avec l'une des propres chansons de Zia Highlife. Zia reprend l'histoire. "Courtney était comme," Pourquoi ne mettez-vous pas une chanson sur le disque, une de vos chansons de Brush Prairie? "Le problème est que les chansons sont toutes si country, et je veux dire comme vraiment country! Nous avons choisi Highlife. Nous avons d'abord essayé de le «décompresser» en termes d'arrangement, avant de simplement l'enregistrer et le peaufiner au stade du mixage. Une fois qu'il a été enregistré et que je l'ai écouté, j'ai pu dire: «Coupez ça, coupez ça, coupez tout jusqu'à ce que tout ce qui reste signifie que vous n'avez aucune idée de la chanson qui va commencer.» Maintenant, au début, vous écoutez en pensant à Dandys, Dandys, attendez ce qui vient de se passer? "

Zia poursuit: «Nous avons essayé de faire un peu Pychobilly. Pour la ligne de basse, j'ai fait semblant de jouer de la contrebasse. Je n'écris pas des parties de marche comme ça normalement et c'est probablement la ligne de basse la plus compliquée que j'ai jamais écrite. Puis je me suis souvenu que je chantais aussi dessus! J'aimerais que les gens voient mes mains pendant que je chante, car il se passe beaucoup de choses derrière ce mur de Korg. "

Ne forcez pas

Écrire des pièces pour les intégrer dans une piste peut être une entreprise délicate, surtout lorsque vous arrivez vers la fin d'un processus et que tout le monde est satisfait. Si c'est quelque chose que vous trouvez difficile, Zia a quelques conseils à vous donner. «Souvent, j'écrirai une partie plus occupée, puis je simplifierai jusqu'à ce qu'elle s'intègre correctement dans la chanson. Mes pièces ont été qualifiées de correctives et je me dis que c'est une façon grossière de le dire, mais je suppose que techniquement elles le sont. Plus précisément, je les appellerais essentiels. Je joue ce qui doit être joué pour soutenir les autres instruments. La basse est un rôle assez soutenant, mais c'est amusant quand une partie plus occupée trouve son chemin. Bête de tous les saints a une belle ligne de basse circulaire M.C Escher. Est-ce que j'aime chaque fois que je fais ça? Oui. Dois-je l'imposer sur la chanson juste pour que je puisse? Non."

«Je traînais avec Gail Ann Dorsey, qui était la guitariste de David Bowie, nous avions une session de jam ici chez The Oddie et le pianiste de Bowie, Mike Garson, m'enseignait quelques choses au piano. Gail m'a dit que j'avais quelque chose qu'il n'avait pas, j'ai demandé ce que c'était et elle a dit: «tu sais quand ne pas jouer.»

Zia McCabe
Image: John Thackray

Des clés aux cordes

Zia explique plus en détail comment, synthétiseurs mis à part, elle aborde de manière créative la basse et la guitare. «J'adore jouer de la guitare basse, j'adore venir et l'enregistrer et j'adore les parties que je
écrire. Le dernier album était la première fois que je pouvais jouer assez bien de la guitare basse, que chaque chanson que j'avais le choix, un choix artistique personnel pour dire, "qu'est-ce que ça fait avec une guitare basse? Quel type de pièces dois-je écrire avec? À quoi cela ressemble-t-il avec la basse de synthé? "Ensuite, je dois finalement choisir celle qui correspond le mieux à la chanson. Il s'agit d'élargir mes options, surtout lorsque vous êtes en 25e année, vous ne pouvez pas toujours simplement ouvrir un tout nouveau monde en ajoutant un instrument. Passer du synthé basse à la guitare basse est radicalement différent et quand j'ai réécouté ces enregistrements, ça change. C'est moins notre son signature. "

«Cela le change vraiment beaucoup, et je pense qu'il le change suffisamment pour qu'il ne représente jamais plus de 30% de ce que vous entendez de nous. C'est trop un départ et c'est bon à savoir. Parce que c'est tellement nouveau et amusant à jouer. De plus, je ne peux pas ajouter de percussions. Je ne peux pas ajouter une mélodie de synthé, ni une piste, ni des patchs d'orgue pour soutenir la chanson de cette façon, donc avoir les deux mains sur un seul instrument me limite. "

Fondamentaux des basses

«Normalement, les gens ajoutent de la basse assez tôt à une piste – en tant que bloc de construction», explique Zia, «mais j'enregistre presque toujours à la fin. Courtney ou Brent écrivent beaucoup sur des guitares acoustiques ou leurs petites configurations de studio numérique à l'aide d'instruments GarageBand, puis ils entrent et commencent à le façonner avec leurs changements d'accords, leurs voix et leur mélodie. Une fois que ces principes fondamentaux sont en place, nous recevons les démos. Je ne participe pas beaucoup à l'écriture de chansons de base. J'enregistre traditionnellement seul avec un ingénieur.

Parfois dans le sous-sol de Peter. Il a un studio donc parfois c'est plus simple et plus rapide. Malheureusement, avec Brent vivant en Australie maintenant, nous avons beaucoup moins de temps de jeu. Nos répétitions consistent à faire tomber les toiles d'araignées, à comprendre nos transitions et à rassembler nos conneries avant notre tournée. Il est toujours très serré à l'heure. Brent est en décalage horaire, nous partons dans trois jours pour que le luxe de tous être dans la même ville soit parti maintenant! "

Pour plus d'informations et les détails des billets pour les spectacles à venir, visitez dandywarhols.com. Rendez-vous ici pour plus d'interviews MusicTech.



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Du rêve à la réalité


L'auteur-compositeur-interprète Dhruv Vishvanath parle de son parcours musical, de son expérience de travail avec AR Rahman, et plus encore.

Lorsque Dhruv Visvanath a lancé son premier album en 2015, ce fut une expérience surréaliste pour le chanteur. Comme ce serait le cas pour quiconque atteindrait son premier jalon, l'auteur-compositeur-interprète a été surpris de réaliser cet exploit. «J'ai écrit et sorti de la musique que je n'aurais jamais pensé faire, et j'avais tellement grandi depuis le début de mon voyage en termes de chansons que j'allais sortir. J'étais incroyablement fier. J’ai aussi le sentiment, dans certains cas, que je n’étais pas prêt et que je ne suis pas un artiste et que mettre votre travail dehors n’est pas une tâche facile », dit-il.

Désormais vieux de deux albums, Dhruv est l'un des musiciens indépendants les plus populaires du pays. Son voyage musical a commencé quand il était enfant lorsqu'il a commencé à apprendre le piano, mais il a également été attiré par la guitare à un âge précoce. Rappelant son enfance, il raconte: «Mon amour pour ma guitare a grandi quand j'ai vu un voisin en jouer une. J'étais en admiration devant ce qu'était la guitare, à quoi elle ressemblait, et elle avait l'air tellement cool. J'ai ensuite décidé de m'apprendre à jouer de l'instrument. »Il a ensuite maîtrisé la guitare, ce qui lui a même valu une place dans la liste des 30 meilleurs guitaristes de moins de 30 ans du magazine Acoustic Guitar.

Changer le jeu

Dhruv est connu pour donner une fessée à sa guitare, une technique qui lui est venue dans un moment inactif. Demandez-lui pourquoi il utilise ce style unique, révèle le jeune homme de 28 ans en riant: «Je m'ennuyais vraiment parce que je ne pensais pas que je grandissais ou que je m'améliorais. Puis un jour, j'ai repris ma guitare acoustique et j'ai décidé de m'asseoir et de jouer quelques chansons, et à partir de là, elle s'est épanouie en quelque chose de différent. »

Alors que la sortie de son premier album, Orion lui apprenait beaucoup, la sortie de son deuxième album, The Lost Cause (2018) était toujours un processus difficile. Le chanteur, cependant, comprend que cela continuera de cette façon. "Vous ne pouvez pas sortir 20 albums en une seule journée. Il faut du temps pour créer quelque chose qui vous est propre et, ce faisant, vous avez également pris le temps de comprendre comment commercialiser et promouvoir votre musique. C’est un gros défi en soi, et pour bien le faire, il faut beaucoup de patience », dit-il, ajoutant qu’il s’agissait de faire les mêmes efforts qu’avant, mais sans autant de ressources.

Mis à part sa propre musique, le musicien a également travaillé avec le compositeur oscarisé AR Rahman pour une série Netflix, dont il ne cesse de jaillir. «Travailler avec lui était fantastique, c'est un homme très intelligent, très gentil et doux. J'étais très heureux d'avoir pu rencontrer quelqu'un comme lui. Je ne l'avais jamais vu qu'à distance, donc pouvoir me serrer la main puis l'avoir rencontré et communiquer avec lui était surréaliste », dit-il avec un sourire.

Dhruv apprécie également les technologies et les plates-formes émergentes qui offrent un espace aux artistes indépendants pour briller. «Le fait que nous soyons connectés numériquement au-delà de simplement l'utiliser comme plate-forme de streaming, il existe d'autres ressources qui nous aident à comprendre comment commercialiser la musique et comment les gens consomment également de la musique. Surtout avec mon deuxième album, Apple Music a été très utile car ils l'ont sorti initialement. Puis Spotify est également intervenu. Ce que nous avons découvert, c'est que j'avais des auditeurs et c'était la chose la plus importante », explique-t-il en conclusion.

Le chanteur se prépare actuellement pour un groupe de singles qu'il sortira cette année et a également une performance live à Jaipur prévue pour le mois prochain.

Fin de